Una breve storia di artisti collettivi nel sud-est asiatico
Il ventesimo secolo fu testimone di cambiamenti significativi nei paesaggi sociali e politici dei paesi del sud-est asiatico: l'ascesa e la caduta di Sukarno e Suharto, sovrani di due dei regimi più impattanti in Indonesia; la lotta delle Filippine per l'indipendenza dai suoi colonizzatori; il risveglio della Cambogia dalle devastanti ripercussioni del controllo autoritario di Pol Pot; la transizione di Singapore da un villaggio di pescatori a una delle economie in più rapida crescita nel mondo e così via. Nel corso degli anni e delle avversità, la ricerca di autonomia artistica e la necessità di un cambiamento sociale nella regione spesso hanno unito le persone, dando vita ad alcune delle opere d'arte più potenti della regione.
Mentre le idee sulla collaborazione e sui collettivi degli artisti non hanno avuto origine nella regione, i contesti politici all'interno dei quali questi collettivi di artisti hanno funzionato sono unici dal resto del mondo. La maggior parte dei collettivi storici nella regione sono stati organizzati all'interno del concetto di "unità nella diversità". Mentre gli artisti formavano unioni e promettevano fedeltà a un'agenda unanime, i loro stili pittorici e le loro esplorazioni artistiche variavano. Ciò è in gran parte contrario al modo in cui oggi intendiamo i collettivi che producono opere d'arte in collaborazione. In effetti, alcune delle iniziative di maggior successo nella regione del sud-est asiatico, passate e presenti, derivano da un'unione basata sull'ideologia e sulle circostanze condivise piuttosto che sulla pratica. Pertanto, vale la pena discutere dei risultati ottenuti da questi collettivi tenendo presente le loro circostanze e le loro agende individuali, nonché la loro influenza sui collettivi che sono riusciti a trovare un posto nel mondo dell'arte contemporanea.
L'Indonesia ha forse una delle più vaste storie di collettivi di artisti nella regione. Uno dei primi e dei più influenti fu fondato dagli artisti moderni indonesiani S. Sudjojono e Agus Djaja nel 1938. Il PERSAGI, Persatuan Ahli-Ahli Gambar Indonesia, o Unione dei pittori indonesiani, fu costruito sulla ricerca di un'identità creativa nazionale all'interno di un ambiente coloniale. Tuttavia, i 20 artisti non erano vincolati dallo stile ma dall'ideologia secondo cui l'arte dovrebbe rispecchiare i punti di vista della popolazione locale. La formazione di PERSAGI è considerata un fattore importante nella progressione di un'estetica nazionalista in Indonesia focalizzata sul collegamento tra arte e comunità locale. Sudjojono, ad esempio, noto come il padre dell'arte moderna indonesiana, trovò principalmente ispirazione dalla popolazione locale e dai tempi in cui visse. Fu anche attivamente coinvolto nella lotta per la libertà e spesso dipinse eventi storici per glorificare il passato del Paese.
S. Sudjojono, "Kami Present, Ibu Pertiwi" (Stand Guard for our Motherland), 1965, olio su tela. Immagine gentilmente concessa da National Gallery Singapore.
Avendo successo al PERSAGI, il Lembaga Kebudayaan Rakyat o LEKRA (Institute for the People's Culture) sono stati al centro dell'attenzione sia nel dirigere la scena artistica locale verso il realismo socialista sia nel guidare l'opinione pubblica verso la democrazia. Questo particolare collettivo non solo ha unito artisti visivi, ma ha anche riunito scrittori, musicisti e rivoluzionari nel tentativo di alterare il panorama politico della loro nazione. Il LEKRA fu probabilmente anche il più grande collettivo - e uno dei più potenti in base all'urgenza con cui fu sottomesso dalle autorità - a essere formato nella regione. Prima di essere brutalmente represso durante il colpo di stato del movimento del 30 settembre del 1965 dalle forze militari di Suharto, il collettivo aveva raggiunto un conteggio di 100.000 membri. Entro quindici anni dalla sua esistenza, la LEKRA riuscì a ottenere abbastanza sostegno da parte del grande pubblico da trasformarsi in un'organizzazione semi-politica o in un "movimento popolare" che contribuì a modificare il corso della storia per l'Indonesia.
Mentre questi collettivi di artisti, a causa delle loro dimensioni e diversità travolgenti, non si adattano perfettamente alla definizione di collettivo di artisti come la intendiamo oggi, i loro risultati come voci collettive per il cambiamento sociale e politico sono significativi e esempi di tali iniziative possono ancora essere visto nella regione.
Durante il devastante regno di Pol Pot in Cambogia, l'edificio bianco di Phnom Penh era diventato un sito per l'emergere del pensiero artistico modernista. Il condominio era principalmente occupato da artisti, prima e dopo il genocidio degli anni '70 e rimane un simbolo culturale fino ai giorni nostri. Mentre gli inquilini iniziali del White Building non hanno mai annunciato ufficialmente la loro unione, un certo numero di gruppi di artisti e collaborazioni sono emersi dallo stesso spazio dopo la fine del regime autoritario.
Stiev Selapak è un collettivo d'arte fondato nel 2007 in Cambogia. Risale alle origini del White Building e ora funziona solo con tre dei membri fondatori, vale a dire Khvay Samnang, Lim Sokchanlina e Vuth Lyno. Provengono da diversi background creativi e continuano le loro pratiche individuali aderendo all'agenda del collettivo. Insieme, hanno dato un contributo significativo alla scena artistica cambogiana in generale.Con due spazi per artisti e un centro risorse, il collettivo ospita regolarmente residenze, facilita collaborazioni e offre lezioni per portare l'arte nella comunità locale e continuare l'eredità del White Building.
Uno dei progetti più apprezzati del gruppo è stato lo sviluppo di un archivio e un database online che commemorano la storia vivente del quartiere di White Building. In collaborazione con Big Stories Co., hanno creato una ricca raccolta di materiali, tra cui vecchie fotografie, opere d'arte passate e recenti, nonché documentazioni audio e visive, che forniscono informazioni sul passato creativo di Phnom Penh e le sue più vivaci Quartiere.
Khvay Samnang, "Human Nature", 2010-2011, stampa C digitale, 80 x 120 cm / 120 x 180 cm. Immagine gentilmente concessa dall'artista.
Esplorare ulteriormente le circostanze sociali e politiche che hanno portato alla nascita di collettivi di artisti nel sud-est asiatico rivela uno spostamento delle motivazioni artistiche verso la fine del ventesimo secolo. Gli artisti hanno iniziato a ripensare la loro posizione, non come voci del popolo ma come agenti della nazione. Mentre il loro legame con le masse generali si è solo rafforzato, i sentimenti nazionalisti hanno iniziato a svanire. Gli artisti iniziarono ad assumere la posizione dei critici dello stato, delle autorità e, soprattutto, dell'arte.
Ad esempio, con l'ascesa del regime autoritario è arrivata un'altra ondata di lotta creativa per artisti locali in Indonesia. Il GRSB o New Art Movement fu fondato nel 1974 per mettere in discussione la legittimità artistica e l'istituzionalizzazione delle belle arti. Come il loro manifesto "Fine Art of Emancipation, Emancipation of Fine Art", presentato a Jakarta il 2 maggio 1987, ha annunciato: "È necessaria una ridefinizione delle belle arti, per liberarla dalla definizione radicata in Artes-liberali– cercare una nuova definizione in grado di accogliere ogni espressione di arte visiva. " Il New Art Movement in Indonesia ha sostenuto un approccio postmoderno all'arte e ha incoraggiato l'esplorazione di media artistici come performance e installazione, mantenendo al contempo l'attenzione contestuale alle critiche sociali. Il lavoro di FX Harsono del 1975, "Paling Top" è uno dei migliori esempi per illustrare sia l'ingegnosità sia la critica intrinseca presente nelle opere di questo gruppo.
FX Harsono, "Paling Top", 1975 (rifatto nel 2006), fucile in plastica, tessuto, cassa di legno, rete metallica e tubo a LED. Immagine gentilmente concessa da National Gallery Singapore.
Un'altra unione artistica postmoderna è The Artists Village fondato dall'artista singaporiano Tang Da Wu nel 1988. Gli obiettivi del collettivo di artisti erano di "favorire e sviluppare una maggiore consapevolezza dell'importanza delle arti" e "il loro contributo alla società singaporiana". Contro i rapidi sviluppi economici di Singapore negli anni '80, l'unione delle menti creative esercitò un impatto trasformativo sulla scena artistica di Singapore, dall'arte performativa ai nuovi media.
Mentre The Artists Village non è emerso come una reazione a una situazione politicamente impegnativa come nel caso del GRSB, è stato anche istituito "per rivedere criticamente ed esaminare ipotesi, valori e concetti di creazione artistica esistenti a Singapore". All'epoca lo stato della città stava lottando con la sua identità e il mantenimento della cultura locale di fronte alla globalizzazione. "Yellow Man" di Lee Wen è un'opera d'arte che dà forma visiva a queste ansie nazionali.
Lee Wen, "Journey of A Yellow Man No. 11: Multi-Culturalism", 1997, stampa a getto d'inchiostro su carta d'archivio. Immagine gentilmente concessa da National Gallery Singapore.
Come illustrato sopra, i collettivi di artisti nella regione vanno oltre l'idea di collaborazione pratica per unire individui affini che cercano di provocare un cambiamento, sia attraverso la partecipazione attiva che la critica diretta, e lo fanno raggruppando. Come disse una volta Lois Frankel, "Una voce solitaria non è importante quanto una voce collettiva". Il pensiero creativo e l'attività nel sud-est asiatico hanno spesso avuto un rapporto diretto con le circostanze socio-politiche locali degli artisti, e tracce di queste iniziative storiche sono ancora visibili oggi nell'inclinazione dei recenti collettivi di artisti di incorporare le critiche sociali e abbracciare la diversità nelle loro corpi di lavoro.
Questo articolo è stato scritto da Tanya Singh per Art Republik 18.
