Intervista: artista Jane Lee
L'artista di Singapore Jane Lee è nota per il suo lavoro innovativo nella pittura. Capovolge continuamente il mezzo tradizionale sulla sua testa, esplorando nuove possibilità nel presentare i dipinti come opere d'arte senza restrizioni dai confini della tela.
Per la sua residenza recentemente completata presso il Tyler Print Institute di Singapore (STPI), Jane si è presa una pausa dalla pittura a favore della sperimentazione con altri media e ha creato un nuovo corpus di opere che sorprenderanno e delizieranno il pubblico che ha familiarità con le sue opere passate.
Art Republik si siede con Jane per scoprire di più sul suo amore per la pittura, sull'evoluzione del suo lavoro nel corso degli anni e sul suo spettacolo "Freely Freely" alla STPI, che si terrà durante la Singapore Art Week all'inizio di quest'anno.
Stato, 2009
Come si è evoluto il tuo lavoro nel corso degli anni? Cosa cambia il tuo lavoro da pezzo a pezzo?
Non avevo idea di diventare un artista a tempo pieno; Volevo diventare uno stilista di moda. Quindi, ho iniziato con la pittura. L'idea della pittura è che si tratta di un oggetto bidimensionale sul muro, ma a poco a poco ho visto la mia pittura come installazioni. Per me, il muro su cui è montato il dipinto fa parte del lavoro perché tutto ciò che è intorno al dipinto interagisce con esso.
Cosa rende la pittura un mezzo così avvincente su cui lavorare?
Mi piace il colore e mi piace la sensazione di giocare con la vernice. Anche l'odore della vernice mi attira. Circa 10 anni fa, quando ho preso sul serio la pittura, ho iniziato a chiedermi quale fosse l'essenza della pittura. Mi sono chiesto se ci fossero altri modi per realizzare dipinti e ho esaminato il processo e le tecniche tradizionali che hanno portato alla realizzazione di un dipinto. È così che ho iniziato a giocare con il medium.
Caged Birds, 2015
Potresti guidarci attraverso il processo di creazione di un'opera d'arte, dal concetto all'esecuzione?
Sono una persona molto pratica. Quando ho iniziato a dipingere nel modo tradizionale, ho pianificato molto e mi sedevo e creavo composizioni per i miei lavori. Tutto è cambiato nel 1999, quando sono andato a Londra per saperne di più sull'arte contemporanea. Ho partecipato a un seminario in cui il docente ha gettato vernice su carta sul pavimento e ha insegnato alla classe di suonare. È stato per me un colpo d'occhio. E quello è diventato quello che volevo fare. Mi ero reso conto che quando avessi pianificato tutto, non ci sarebbe stata davvero vita nel lavoro. Ho iniziato ad andare di più con il mio istinto e a suonare.
Come fai a sapere quando un'opera d'arte è completata?
Suppongo che un'opera d'arte non possa mai davvero essere finita. Se un lavoro mi parla, è fatto. È più emotivo che intellettuale. Parlo molto con la mia pittura. È un processo interattivo. I dipinti sono in qualche modo vivi anche se non parlano. Hanno alcune tendenze. C'è una sorta di negoziazione in corso tra l'artista e l'opera nel processo di creazione dell'arte.
Set Me Free VI, 2015
Come scegli gli strumenti che usi per realizzare le tue opere?
Tradizionalmente, i dipinti sono realizzati con pennelli e molto spesso raccontano una storia. Trovo strumenti della mia vita quotidiana, come utensili da cucina, per realizzare la mia arte.
Potresti guidarci attraverso il processo di creazione di un'opera d'arte?
Bene, al mattino, quando arrivo nel mio studio, potrei sentirmi abbastanza felice e voler usare il rosso vivo, ma man mano che la giornata avanza, e forse sto ascoltando le canzoni, allora il mio umore potrebbe cambiare, e quindi la mia pittura potrebbe risultare un po 'buio. Non mi piace forzare nulla. In un certo senso, lo sviluppo di un'opera dipende da come mi sento in un determinato giorno.
Quanto tempo impieghi per completare un'opera d'arte?
Per grandi opere, possono essere necessari da sei mesi a un anno. A volte, lavoro su un pezzo e poi a metà strada, non c'è flusso di energia, e quindi lo metterei da parte per il momento e ritornerei in un secondo momento.
Avvolgimento VI, 2015
Scarti qualche lavoro?
Molti.
Come decidi cosa tenere?
Sai solo.
Il processo di creazione delle opere d'arte è più importante dell'aspetto del prodotto finale?
Direi che se è fuori dal 100%, il processo conta per l'80% e il prodotto finale conta per il 20%.
Vuoi che le persone siano curiose del processo?
Ovviamente. Sarebbe bello guardare oltre la superficie e i colori. Voglio farli porre più domande sulla pittura come mezzo e sul processo di realizzazione di un dipinto.
100 Faces, 2014
Potresti parlare della tua routine quotidiana come artista?
Comincio la mia giornata con yoga e meditazione. Questo è importante per tenermi più in sintonia con me stesso. Poi vado nel mio studio e inizio a lavorare. Il modo in cui lavoro dipende dalle scadenze che ho. Se avessi fretta e dovessi lavorare molto intensamente, diciamo per una mostra personale, mi rifiuterei di tornare in studio in seguito per un bel po 'di tempo. Detto questo, la mia mente pensa sempre, guardandosi intorno, cercando ispirazione dalla mia vita quotidiana, sia che provenga da una passeggiata mattutina, sia in una conversazione con qualcuno.
Cerchi ispirazione per andare al museo o partecipare alle mostre di altri artisti?
In effetti, evito di vedere troppe opere di altri artisti. Se vedi troppo, a volte certe cose che mi piacciono vedranno inconsciamente nel mio lavoro. La vita quotidiana è la mia fonte d'ispirazione, che provenga da una passeggiata mattutina o in una conversazione con qualcuno. Cose che vedo intorno a me, ciò che la gente dice: queste sono le piccole cose che sono le mie fonti di ispirazione.
Avevi degli artisti a cui hai guardato quando hai iniziato?
Sarebbe Robert Ryman. La cosa affascinante di lui è che non è un pittore per allenamento. Penso che, poiché non ha l'onere di sapere cosa dovrebbe fare un pittore, è in grado di inventare le sue rinfrescanti opere d'arte.
Awakening, 2015
Ma pensi che sia importante imparare prima le basi?
Penso che le conoscenze di base possano servire bene un pittore nel fornire know-how tecnico, come ad esempio con la miscelazione dei colori. Tuttavia, una volta apprese queste abilità, è probabilmente solo quando vengono lasciate cadere che si può creare qualcosa di nuovo.
Cosa viene prima: i titoli dei tuoi dipinti o i dipinti stessi? In che modo i titoli, come "Status" (2009) che si trova nella collezione permanente del Singapore Art Museum o "100 Faces" (2014), mostrati alla tua mostra personale alla Sundaram Tagore Gallery, Singapore, lavorano insieme ai tuoi dipinti per comunicare con il pubblico?
Con "Status", stavo mettendo in discussione lo stato del dipinto. Mi è stato detto da uno dei curatori della Biennale di Singapore 2008 che sarei stato l'unico pittore a esporre. Quella conversazione è rimasta con me. Ho trovato sorprendente che c'erano così pochi pittori nella scena artistica quando la maggior parte degli artisti probabilmente ha iniziato ad essere addestrato come pittori. Pensai allora che forse il dipinto come mezzo era morto e non c'era più spazio per suonare. L'opera d'arte è un'esplorazione dello stato della pittura nella scena artistica contemporanea regionale.
Con "100 Faces", ricordo di aver pensato che le persone desideravano mostrare grandi dipinti molto pesanti. Ho deciso di suddividere il mio lavoro in 100 pezzi più piccoli e meno pesanti che potevano essere riuniti in un grande dipinto. Inoltre, è stato anche un commento su come un dipinto potrebbe avere molti volti, o che potrebbero esserci molti modi per creare un dipinto, e inoltre che le persone hanno personaggi diversi che emergono in compagnia di persone diverse.
Condividi queste storie sulla creazione di queste opere con il pubblico?
Normalmente, non condividerei, anche se se la gente lo chiedesse, sarei felice di farlo. Non voglio imporre troppo allo spettatore e dettare ciò che vedono nelle opere d'arte.
Just a Moment, 2015
Parliamo dei tuoi nuovi lavori alla STPI, che non sono focalizzati sui dipinti. È una nuova direzione per te. È una decisione consapevole?
Volevo smettere di dipingere da un po ', ma non avevo trovato scuse per farlo. Ho pensato che sarebbe stata una buona occasione per esplorare tutto tranne che per dipingere e per fare buon uso delle strutture di STPI. Era un buon momento per essere stato invitato in questo momento.
Perché il titolo "Freely, Freely"?
Volevo un titolo positivo per lo spettacolo. Il mio approccio alla realizzazione della mia arte è felice. Essere intrappolati ed essere liberi sono due temi della mostra. Con la serie "Avvolgimento", ad esempio, il processo di avvolgimento del foglio può dare la sensazione di essere intrappolati. I perni nelle bobine danno un'espressione visiva più forte di essere intrappolati. Su alcune delle opere, ci sono uccelli seduti sui perni, che potrebbero essere visti come simboli di libertà.
Oltre alle opere su carta, hai anche lavorato con l'acrilico nello spettacolo. Com'è nato?
Il team di STPI è molto aperto alle idee. Ho deciso di sperimentare liberamente e ho incluso video e animazioni, oltre a combinare la carta con altri mezzi, come carta con suono e carta con acrilico.
In che modo il team di STPI ha spinto la tua pratica artistica?
Per gran parte della mia carriera, ho lavorato da solo nel mio studio. Spesso, quando ho queste piccole idee folli, se sono solo io, sarebbe difficile e potrebbe richiedere più tempo e non riesco a lavorarci su. Lavorare qui alla STPI mi ha fatto uscire dalla mia zona di comfort. Il team di persone abili qui mi ha aiutato a fare brainstorming e vedere possibilità e le mie idee potrebbero essere realizzate in brevissimo tempo.
Pensi che dopo questo spettacolo approccerai la tua pratica in modo diverso?
Sono un pittore nel cuore e c'è ancora spazio per giocare con la pittura. Quanto al tipo di pittura e se sarà simile a quello che ho fatto, non ne sono sicuro. Ciò che ho scoperto qui alla STPI avrebbe sicuramente un certo impatto, ma in questo momento non posso davvero rispondere a ciò che farei. Mi piace l'idea di non sapere. Se lo sapessi già, non lo farei. Voglio eccitare e deliziare lo spettatore, ma per farlo, devo prima farlo per me stesso.
Crediti della storia
Testo di Nadya Wang
Questo articolo è stato originariamente pubblicato su Art Republik.
Immagini per gentile concessione di STPI
