Intervista: Uji 'Hahan' Handoko

Nato nel 1983 a Kebumen, Uji "Hahan" Handoko ha iniziato la sua carriera presso la Facoltà di Belle Arti dell'Indonesia Institute of the Arts di Yogyakarta. In un intenso evento del 2008, è stato nominato finalista tra i primi 30 per il Sovereign Art Prize e ha intrapreso il programma di residenza artistica dell'artista National Art Studio a Seoul, in Corea. Alcuni dei suoi spettacoli più prolifici includono, ArtJog14, Jogjakarta (2014); The 7th Asia Pacific Triennial of Contemporary Art (2012); National Gallery of Indonesia, Jakarta (2011); Galleria Primo Marella, Milano (2011); Korea International Art Fair, Seoul (2010); Kedai Kebun Forum, Yogyakarta (2010); Biennale Jogja X, Yogyakarta (2009) e Havana Biennale, Cuba (2009).

Sempre descritto in una raffica di aggettivi senza fiato: audace, sfacciato, insolito, ribelle, punk ... L'artista multidisciplinare, è caratterizzato da un'energia inquisitrice effervescente - sempre in discussione, spingendo sempre i confini di ciò che è possibile. Uno degli aspetti principali del suo lavoro, è caratterizzato dalla dualità tra percezioni di "alta arte" e "bassa arte". Seppellendo il realismo con strati su strati di ornamenti drammatici, il suo lavoro rappresenta la rottura tra l'urbanizzazione e l'agricoltura, l'Oriente e l'Occidente, il locale e il globale. Hahan distribuisce il suo film, la musica, le influenze pop-street in un linguaggio visivo idiosincratico che si fonde come una scaramuccia disordinata sulla tela - colori audaci che ha un noto talento per rovesciare i suoi contorni. La "colorazione al di fuori delle linee" si aggiunge al movimento e alla spontaneità che sono caratteristici della sua produzione.

Serie Trinity, 2015

Un vero artista pop, cerca costantemente di reinventare i modi per attualizzare le sue idee - dall'essere un cantante nella band collettiva di artisti punk d'avanguardia punkasila; il suo rifiuto della tela, sperimentando media e substrati non convenzionali; intreccio di complesse questioni socio-politiche auto-riflettenti in compositi "a bassa fronte", ma intricati; collaborazione su una linea di abbigliamento con l'etichetta australiana Hurley International, per la sua determinazione nel rendere la sua arte il più possibile accessibile alla sua comunità - Hahan sembra guidare uno sconvolgimento da solo. Art Republik raggiungo l'artista ribelle per vedere cosa succede.

Il tuo lavoro riunisce una varietà di influenze: film, musica e cultura di strada in un linguaggio visivo distinto. Le narrazioni e le storie sono qualcosa a cui pensi nella tua pratica?

Ognuna delle influenze che hai citato ha una lingua diversa nel raccontare un'idea. Se unisco solo la forma visiva e il modo in cui viene utilizzata, potrebbe non differire l'una dall'altra. Inoltre, voglio scavare sotto la superficie, incluso il suo background culturale e sociale, quindi combinarlo con il mio punto di vista per renderlo il mio linguaggio visivo.

Le persone hanno caratterizzato il tuo lavoro come una lotta in corso tra arte "alta" e "bassa", problemi di polarità tra Oriente e Occidente, locale e globale - che cosa ti interessa delle dualità?

Faccio parte di una generazione che, inizialmente, aveva fonti di informazione molto limitate, ma poi ora con Internet e la globalizzazione, abbiamo più accesso alle informazioni da ovest a est - la linea tra arte "alta" e "bassa" è diventata uno sfocato e ibrido. Sono in questa posizione al momento e cerco di riflettere ciò che sta accadendo oggi attraverso le mie opere. 

Uno per tutti, tutti per uno… .Venduto (vista dettagliata), 2014.

In che modo crescere in Indonesia ha influenzato il modo in cui approcci le tue prospettive e l'arte in generale?

Credo che ogni luogo o paese abbia le proprie caratteristiche che, consapevolmente o no, daranno forma alle caratteristiche dell'artista. Molti fattori in Indonesia, ad esempio lo sviluppo fisico e la distribuzione del reddito ineguali, l'attrito della tradizione locale e della cultura globale nell'era della divulgazione, e in particolare lo sviluppo dell'infrastruttura artistica, hanno un grande impatto nel formare il mio punto di vista e il mio pensiero generale . In particolare in relazione con l'infrastruttura di arte visiva, sebbene non ci siano fasi o livelli di creazione di artisti e anche un supporto governativo insufficiente, gli artisti indonesiani diventano più motivati ​​a pensare fuori dagli schemi e sperimentare di più. 

Hai già menzionato prima, la tua residenza artistica a Seoul è il punto cardine della tua vita che ti ha dato la convinzione di essere un artista contemporaneo. Com'è stato durante la tua permanenza lì, in che modo la città ti ha influenzato e in che modo è diversa dall'Indonesia?

A quel tempo, l'Indonesia, in particolare Jogja ... l'opportunità come artista di fare residenze d'arte all'estero era un affare grande e lussuoso. Questo perché la raccomandazione e il collegamento erano così rari da ottenere e difficili da competere, anche contro artisti affermati. Per me, questo è diventato il mio punto di partenza che mi ha convinto e motivato a perseguire una carriera come artista.

Oltre agli artisti e alle loro opere, Seoul mi ha anche impressionato per la loro creazione di infrastrutture per l'arte visiva che hanno ottenuto il sostegno attivo del loro governo e dei settori privati. Mi ha davvero aperto gli occhi come artista. Le mie opere e pratiche artistiche all'epoca erano molto indietro rispetto a ciò che ho vissuto e visto lì, e mi sono sentito ancora di più dopo l'incontro con il direttore del Leeum, Samsung Museum of Art.

L'ho incontrato con un pari che era nella residenza con me. Ha chiesto per la prima volta al mio amico, che veniva dall'India, da dove veniva, e ha immediatamente menzionato "Anish Kapoor" come un nome familiare. Si rivolse quindi a me facendo la stessa domanda, ma si scusò rapidamente per non conoscere alcun artista indonesiano familiare. Questo mi ha colpito ed è una grande parte del motivo per cui mi sforzo di sperimentare e distinguermi. 

The Landscape of Universal Problems, 2016

Raccontaci di più sul tuo lavoro all'interno del punk rock collettivo punkasila, artista indonesiano. Non è l'unica band in cui ti trovi, giusto?

Il Punkasila è stato avviato da Danius Kesminas (artista con sede a Melbourne) nel suo programma di residenza con Asia Link attraverso la Cemeti Art Foundation nel 2005. A quel tempo, pensavo che fosse solo un progetto temporaneo, perché in primo luogo l'obiettivo era solo quello di invitare e collaborare con diversi artisti visivi (incluso me) come parte di una rock band, che ha portato al nostro album "Acronimo Wars". Ma poi ha continuato a crescere fino a diventare un collettivo artistico, che ha iniziato a invitare al di fuori del regno delle arti visive. Ora funziona da 10 anni.

Altri miei progetti musicali realizzati collettivamente con vari amici sono "Black Ribbon", formato nel 2004 per esplorare il rumore con registratore analogico e synth fai-da-te; "Hengky Strawberry" si è formato nel 2007 catturando la prossima ondata di musica elettronica e cultura rave indonesiana; "The Spectakuler" si è formato nel 2010, con la collaborazione di "Black Ribbon" e "Demi Tuhan" con Woto "Wok" Wibowo; "Anusapatis" si è formato nel 2011 combinando musica elettronica e stile grindcore veloce; e "N.E.W.S" si sono formati nel 2013, che è un gruppo vocale che ha risposto al testo curatoriale o a qualsiasi altro testo diffuso nella scena artistica. 

Generazione sobria, 2013

Com'è la modalità di lavoro per te? È sempre diverso, a seconda della natura del mezzo?

In realtà il mio metodo di lavoro è sempre lo stesso. Non ci sono differenze tra i medium. Di solito inizia con un'idea o nozione, quindi il concetto e nella fase finale la scelta del mezzo. Ogni tipo di mezzo ha il suo valore politico e penso che la scelta del mezzo giusto amplifichi meglio i concetti e le idee. Le differenze nel metodo di lavoro possono apparire ma non a causa del diverso mezzo, invece a causa del diverso coinvolgimento degli altri, lavorando come un singolo artista o un collettivo. E quando lavoro come parte di un collettivo, ci sono ulteriori passaggi come la discussione di gruppo e il processo decisionale condiviso. 

L'umorismo è una parte importante del tuo lavoro?

Vivere in Indonesia sotto un governo che non governa con reciprocità e guida un sistema sociale instabile, ovviamente l'umorismo diventa importante, soprattutto per me poter vedere i problemi nella società e comunicare le mie idee con il mio pubblico. 

È noto che preferisci avere il tuo lavoro negli spazi pubblici e che il tuo lavoro è accessibile a chiunque. È importante per te, dare alle persone un senso di eccitazione, soggezione e meraviglia con l'arte, senza esperienza o informazioni che sono necessarie per loro?

In realtà non importa. Credo che chiunque abbia un background abbia il proprio modo di godersi un'opera d'arte, con o senza esperienza o informazioni pre-richieste. Questa è l'eccitazione degli spazi pubblici per me, dove appariranno prospettive ricche e imprevedibili. Per me è anche importante che l'arte crei nuovi spazi di negoziazione per il pubblico. 

Lucky Country Series # 2, 2013

Attualmente sei l'ambasciatore del marchio per l'etichetta surf e streetwear Hurley International. Questa collaborazione con Hurley è qualcosa che avresti sempre voluto fare?

In realtà, ho anche la mia linea di abbigliamento e merchandising che ho iniziato durante il mio secondo anno alla scuola d'arte. Fa parte della mia strategia rendere l'arte più facilmente accessibile in modo che possa raggiungere più persone. Collaboro da allora.

Con Hurley, hanno una solida esperienza nel supportare la scena delle arti visive e non c'è alcun intervento da parte loro sul mio processo creativo. Oltre a ciò, Hurley non usa solo le mie opere sui loro prodotti, ma supporta anche le mie altre attività artistiche individualmente e collettivamente come con Ace House.

La cosa importante nel mondo dell'arte di oggi, specialmente in Indonesia, è esplorare nuove possibilità al di fuori delle arti visive esistenti e trovare nuovi modi per diffondere il tuo messaggio. 

Cosa significa bellezza per te? Di solito si tende a "colorare al di fuori delle linee", rendendo deliberatamente il lavoro disordinato o apparire incompleto. Il caos è qualcosa che ti affascina?

Mi piace sempre la forma di errore intenzionale. È come mostrare la limitazione di noi come esseri umani. La bellezza per me non riguarda il risultato perfetto, è piuttosto il processo per raggiungere quella perfezione. 

Float of the line, 2016

Quali sono i tuoi pensieri sull'espressione artistica, sulla censura e sullo stato generale di correttezza politica nel mondo in questo momento?

La censura non dovrebbe nemmeno esistere, inoltre dovrebbe provenire da altre persone. C'è solo la considerazione che viene da noi stessi, anche se è influenzato da un altro. Ma la decisione è presa da noi e questa è l'espressione artistica.

Questa storia è stata pubblicata per la prima volta in Art Republik.